6月3日，“苏韵新晖 春山可望——江苏中青年优秀美术家作品展”在中国美术馆落下帷幕。

　　这场由中国美术家协会、中国美术馆、中共江苏省委宣传部、江苏省文学艺术界联合会共同主办的艺术盛会，自5月24日启幕以来，以30位中青年美术家、75件（组）110幅精品力作，为观众铺展开一幅江苏的时代画卷。

　　从六朝风雅到当代新锐，从新金陵画派的雄浑遗韵到中青年一代的锐意求索，这场展览既是江苏美术实力的一次集中亮相，更是一场关于传统何以迈向当代的深刻对话。

　　笔墨新变，以丹青应答时代

　　步入中国美术馆的展厅，清润雅致的江南气息扑面而来。在中国画板块，观者看到的不再是山水画对皴法传统的沉溺，而是一场静水深流般的语言革新。徐钢的水墨画《山静似太古》对画面的黑白灰关系进行了重新建构，大大增强了山水画的视觉形式感，在留白与虚境中流露出闲适淡泊的心境；翟明帅则以《楠溪云烟图》《楠溪绿水映青山》等青绿之作铺展旖旎之境，与徐钢的水墨一浓一淡，恰似隔空对话。董金良的《瑞应》以苍茫的块面关系，呈现出与前辈迥异的画面秩序；林聪文的《江豚之歌》空灵洒落，将生态关怀化入水墨氤氲。同样是动物题材，张迎春的《浮生册》则另辟蹊径，以家畜、宠物入画，在文人笔墨的雅趣之外别开一种憨拙生动的烟火气，让人看到江苏国画的另一番面貌。中国美协理论与策展委员会主任尚辉从展厅里捕捉到了这种变化，他坦言自己这一代人对江苏美术曾有过焦虑——“江苏给全国最深的印象是山水画，是新金陵画派，但长期沉浸在传统里，反而放慢了创新的脚步”。而这一次，他从徐钢、董金良等人的作品中看到了多点突破、补齐短板的“华丽转身”。

　　《山静似太古》（纸本水墨） 徐钢

　　人物画同样令人惊喜。陈明以墨骨方式攻坚主题性创作，《实业兴邦》《龙潭六杰》在传统笔墨中为近现代风流人物大胆造像，他笃信“外师造化，中得心源”，将对传统的坚守转化为对时代主题的深沉表达。梁雨的“朋友圈”系列则把当代都市人物日常而私密的心理情状纳入笔墨，有很强的辨识度。詹勇的《情溯江源》以深邃笔触探问江河文明，徐亚慧的《中华方舟——郑和下西洋》在历史叙事中铺陈大国气度，秦寿平的《神话之罗汉伏虎》则以诙谐笔墨为传统题材注入当代趣味。一位长期关注江苏美术的观众在展厅中对记者感叹：“以前总觉得江苏画家只擅山水，这次看到人物画的突破，确实眼前一亮。”

　　《实业兴邦》（纸本水墨） 陈明

　　油画板块同样展现着江南特有的温润质感与当代视觉经验的融合。王驰的《田野的微笑》《家住幸福地》采用具象写实手法，他自言对于技法有一种单纯的迷恋，“写实绘画的创作过程是艰苦的，要有足够的自我约束力和坚持，要完全沉浸其中”。刘玉龙则以《中欧班列——连云港》《彩虹——苏通长江公路大桥建设工地纪实》等作品，在写实性描绘的基础上，将大国重器的雄浑气势与劳动者的精神风貌融为一体，建构出兼具时代特征与个人面貌的“新工业风格”。与这种宏大叙事形成互补的，是李建鹏的《启程》《远方》——他将目光投向高铁候车室的普通旅客，在静止瞬间定格流动的“中国故事”。钱兆峰的《盎特莱蓬号·1920》以历史远航呼应时代新程，周建捷的《黛色参天系列》和陈金柳的《归来闲倚小阁窗》在景物中藏匿江南的细腻情思，高阿兵的《江南老街》则用油彩留住城市变迁中的记忆温度。

　　《田野的微笑》（布面油画） 王驰

　　版画与水彩板块同样精彩纷呈。陶缀的水印木刻《静谧》以温婉刀痕留住江南石桥的温柔印记，向园的《夏风》《运河弦歌》用细腻笔触将旅途中的记忆碎片拼合。王坚如的《上元彩灯图·一夜鱼龙舞》将数字技术融入传统水印，却坚持手工印制，守护着水墨与宣纸交融的独特材质美感。冯卫军的粉画《有一点心动》以两件悬挂的浴袍入画，在暖光与织物褶皱里沉淀出生活的静谧诗意，展示了粉画语言所能抵达的氛围表现力。陈霈的水彩系列《透看美术史》更是别具巧思——她以苏州园林海棠花窗为视觉通道，让西方绘画经典在东方美学语境中自然显影，虚实相生间架起东西对话的桥梁。李国梁的《那年系列》、李思学的《烘焙生活》等，也都从各自视角出发，在日常中提炼诗意，展现着地域文化的传承与新生。

　　文脉赓续，江南烟雨润新枝

　　江苏文脉悠长，艺道绵延。从东晋顾恺之提出“传神论”为中国画的写意精神奠基，到清代石涛在扬州喊出“笔墨当随时代”的革新宣言，再到上世纪六十年代新金陵画派以“山河新貌”展震动京华，江苏美术始终在承续传统与锐意创新之间寻找着自己的路径。中国艺术研究院研究员王镛曾将傅抱石、钱松喦一代人的总体风格概括为“雄浑朴茂、典丽清新”。十年之后再看眼前这批中青年作品，他的判断清晰而笃定：“他们从精神上传承了新金陵画派求新求变的传统，但具体的笔墨已经截然不同。”

　　这种传承不是对前辈图式的因袭，而是一种精神血脉的接续。新金陵画派“一手伸向传统、一手伸向生活”的辩证传统，在这一代中青年画家的笔下有了新的演绎。李金国的《华灯初上》以竹林猫影映衬远处城市灯火，借自然之“慢”与都市之“快”形成对比，在闽地的细腻与江南的温润交融中，呈现出求新而不失雅致的面貌。谭耀林坚守中国画“素”的灵魂，在《素色寒微》《素色烟岚》中实践“丰富的单纯”的艺术理想，于留白虚境里寄托人格理想。王法的《绰约新妆玉有辉》以玉兰的清雅风姿接续花鸟画“尚意”传统，栾剑的《运河文化带·世遗展新篇》和颜克疾的《千年水韵——京杭大运河》则在山水与人文的交织中，为大运河立传，为时代留痕。

　　中国美术馆研究部主任裔萼以“求新求变与求精求雅的统一”来概括这批中青年画家的共性。她注意到，即使艺术家并非江苏籍，长期生活工作于此，整体文化氛围仍会形成一种当代的地域性。画作各有面目——徐钢深邃，董金良苍茫，林聪文空灵，翟明帅和谭耀林偏重装饰性，王坚如守护水印材质的温度，陈霈在东西互望中构建个人视角——但骨子里都守着一股精雅的底子。这底子，正是江苏文脉千年滋养出的审美品格。

　　春山在望，于时代潮头再启程

　　展览已落幕，但一个问题值得追问：当新金陵画派的接力棒传到这一代人手中，江苏美术的“标识”究竟是什么？

　　这不是一个容易回答的问题。中央美院副院长于洋从文化地理学的角度切进来，提醒在座的江苏画家：江苏从来不是一个单一的文化板块，吴文化、金陵文化、淮扬文化、海洋文化交织共存，“搞传统需要才情和学养，搞当代需要胆识和气魄，江苏人兼而有之”。但他真正要说的是后半句——全媒体时代，大众趣味正以前所未有的速度扁平化，地域“标识度”正在被稀释，“越是我们这个时代趣味迅速趋同，我们就越需要凸显一种差异性的个性出现”。这与其说是评价，不如说是敲给在场三十位画家的一记警钟：你们能不能在趋同的潮流里，杀出自己的面目？

　　如果于洋谈的是“差异”，那么《美术》杂志副主编张鹏谈的则是“深度”。他把时间轴拨回1961年——那一年，新金陵画派以“山河新貌”展震动京城，叶浅予将彼时之“新”概括为三层：内容新、笔墨新、意境新。六十五年过去，同样是北京，张鹏认为问题已经迭代：“我们今天的画家不存在哪个地方没去过，‘新’应该是更往深处走的那个‘新’。”这个“深处”，不是题材的猎奇，不是地理的远征，而是社会肌理的穿透、个体生活更新的捕捉。正如参展画家杜小同所言，“一块颜色，一种结构，便能抵达日常无法触及的艺术核心”——今天画家的难题不再是“去哪里画”，而是“画到了什么份上”。

　　在这个意义上，国家民族画院院长李传真的发言像是一次擂鼓。她用“四个真”为江苏同行定调：真继承、真性情、真扎根、真感悟，并抛出一句近乎激将的期许：“打破固有模式，然后重塑自己，像没画过画一样重新去建构。”这句话的潜台词是：你们已经拿到了传统的钥匙，现在该把锁砸了，自己造一扇门。

　　几位学者的判断在此汇拢。中国美术馆展览部主任邵晓峰用“时代气质、整体气象、地域气息、个性气韵”四个层次，为展览画了一幅精神侧写——在他看来，那股独一无二的江南风之下正在发生的个性绽放，才是江苏美术最值得期待的东西。北京大学教授丁宁则把目光投向更具体也更紧迫的命题：今天的艺术家能不能创造出真正赢得“注意力”、吸引普通人走进美术馆的“破圈”之作？从冯卫军以浴袍入画的诗意实验，到陈霈透过花窗重构美术史的巧思，展览中已经闪现出这样的潜质。这追问指向的，已不只是笔墨功夫，还有艺术在当代公共生活中的生命力。

　　从1961年的“山河新貌”到2026年的“苏韵新晖”，两次进京，两代人，同一个命题——如何让笔墨接住时代。春山已在眼前。画春山的人，正把目光投向笔墨尚未抵达的深处。路在脚下，属于这一代人的答卷，才刚刚铺开。